王宝利读姜维群先生画语有感：取法正、守正脉、悟己法、得正果

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画途琐语| 取法正、守正脉、悟己法、得正果

——读姜维群先生画语有感

作者：王宝利

姜维群先生不仅在书画创作上造诣深厚，亦于文学领域笔耕不辍，对艺术品的收藏更是倾注了极大热情。历经数载，先生以左手撰写隶书，深谙古法神机，营造出别具一格的艺术风格。其将金石碑刻的立体传拓技术巧妙融入绘画，为国画领域带来了新的发展。先生曾担任今晚报社高级编辑，其间采访京津两地书画名家逾百人，并在众多报刊发表千余篇评论文章。近期，先生以其丰厚的艺术实践为基础，结合中国历代绘画理论与现代实际，在“墨彩大同”山水画技法研讨会等多场重要学术论坛现场，系统阐述了中国绘画创作必须历经“取法正、守正脉、悟己法、得正果”四个阶段的理论。本人亦通过长期的艺术实践，对先生的理论体系有了初步的领会。

姜维群先生作为艺术领域的杰出学者，曾明确指出：在中国绘画艺术的发展进程中，坚持正宗传统是防止迷失方向的根本原则。他强调，画家应当深入探究古人笔法的精髓，这不仅是对技法的学习，更是对文化传承的尊崇。在创作过程中，严格遵守绘画法度，是每位画家必须恪守的基本准则。以山水画为例，它不仅包含人物、山石、树木等元素，更是画家对自然之美的深刻理解与情感表达的载体。其中，点苔技法尤为重要，犹如绘画的点睛之笔，能为作品注入生命力，使画中山石树木栩栩如生。画作的整体气韵、灵动与完整，均与画家在点苔技法上的修养密切相关。古代画论家如宋代郭熙，在其《林泉高致》中便对点苔的大小、疏密及在不同山水情境中的运用作了详尽论述。

创新无疑是推动艺术持续发展的关键力量。历史上，诸如徐渭、张大千等艺术大师，不满足于既定技法，勇于在创作中探索新的构图与笔墨。徐渭的泼墨山水、张大千的重彩工笔，皆是在传统基础上的大胆创新。尽管创新初期或遭质疑，但时间证明了他们艺术成就的价值，使其风格独树一帜。然而，创新必须建立在正宗传统的坚实基础之上，否则便如无源之水、无本之木。

在当代艺术界，部分画家在创新尝试中未获广泛认可，主要是因为绘画基础不够扎实，且方法选择不当，导致作品在艺术表现与大众审美之间产生偏差。这种情况犹如在京剧表演中突兀加入西洋乐器，破坏了艺术的和谐。艺术的创新应在尊重传统的基础上逐步探索，而非单纯追求新奇、忽视艺术本质。

对绘画初学者，尤其是艺术院校学生而言，若在学习初期出现偏差，后续便难以回到正轨。因此，高校与艺术学院在教学中，应当继承和运用传统教学方法，以严谨端正的态度进行指导。教师应引导学生深入理解中国画的传统精神，学习古人的笔墨技法，并鼓励他们在传统基础上进行适度创新。通过这样的教学，方能确保学生沿正确道路前进，维护中国画传统的纯正性，促进新一代画家的健康成长。唯此，中国画艺术才能在传承与发展中生生不息。

学习正宗艺术的过程，犹如鉴赏京剧之美，必须牢固掌握其程式化的唱腔、动作与表演技巧，严格遵循传统法度。缺乏这些基本程式，便无法真正步入艺术殿堂，只能被视为门外之人。追求正宗的同时，亦应追求高雅，深入研习古代先贤的智慧结晶与真正大家的杰作，细心观察、潜心领会，直至洞察其中深远意蕴。

坚持正宗的艺术追求，意味着深入理解并掌握古典绘画的基础技法，进而达到技艺精湛、游刃有余的境界。画家技艺的高低，尤体现在对古画的精确摹写之中。若有画家技艺高超，运用历经百年的陈旧纸张、古墨、传统印泥及世代相传的工具，摹写张大千、林风眠、李可染、郑板桥等名家之作，几可乱真，其市值甚至可逾千万。齐白石先生一生作画万余幅，然市面上流通之作竟达十几万幅，其中九成以上为赝品，且多为技艺高超者所制高仿。尽管此类行为不为法律所容，却从侧面印证了那些秉持正宗追求者技艺之精湛。

然而，这些高仿作品的创作者中，许多人年至花甲，却常感慨：虽技艺高超，却未能使自己的名字留在作品之上，终身默默无闻，隐于幕后。对一位投身绘画一生的人来说，这无疑是一种悲哀。他们虽渴望走出幕后、展现自我，但并非每个人都能在晚年如愿。不可否认的是，正因他们坚守正宗学习方法，打下了坚实基础，其技艺才得以在社会广泛传播，随处展现艺术魅力。

在追求卓越的道路上，真诚的情感表达不可或缺。对于中国画而言，这种真诚更是其艺术创作的核心。无论是山水、花鸟还是人物画，都必须源自内心深处的真实感受与情感流露。艺术作品之所以能跨越时空、打动人心，正是因它们承载了创作者的真挚情感与对生活的深刻洞察。

例如，能背诵成百上千首诗，并不等于能创作出真正具有诗意的中国画。背诵或许只是文字的记忆与重复，而中国画的创作则需要情感的投入与灵魂的参与。缺乏情感的画作，犹如没有灵魂的躯壳，无法与观者产生共鸣。此类作品无论技巧多么娴熟，皆难以动人，终将沦为平庸。有些画家虽技法熟练，但画作缺乏情感深度，画面空洞乏味，难以引起观者兴趣。

反之，当中国画能够触动人心，它便能深深打动观者，甚至令人沉浸其中、久久难忘。这种情感的共鸣，往往发生在观者在画中寻找到自己的影子、感受到情感契合的瞬间。譬如，欣赏一幅山水画时，若画家在作品中融入了对自然的热爱与敬畏，观者亦能感受到此般情感的传递，从而产生共鸣。再如齐白石的虾画，栩栩如生的形象不仅展现了高超技巧，更传递出对生活的热爱与对自然的敬畏，正是这种共鸣让画作深入人心。

同样，真正的中国画也需要情感的投入与激情的驱动。没有情感的中国画，犹如没有生命的风景，即便技法再高，亦难引发共鸣。而那些能打动人的作品，往往因画家倾注了自己的情感与激情。如徐悲鸿的马画，奔腾的骏马不仅展现了对马的深刻理解与热爱，也传达出其内心的激情与力量。正是这种情感的投入，使徐悲鸿的马画成为中国画中的经典。

中国画的价值在于它能感染人、触动人心。若一件作品不能打动人心，那么无论形式多么完美，它已失去艺术的灵魂与存在的意义。中国画不是冰冷的技巧展示，而是情感与思想的交流。只有那些能引起共鸣、激发情感的作品，才能真正触动人心，成为不朽的经典。如八大山人的画作，以其独特的风格与深刻的情感内涵，成为画史瑰宝。其作品不仅技艺高超，更传达出内心的孤独与挣扎，这种情感的共鸣令观者产生深刻的敬仰。

“画如其人”，深厚的学识可提升个人的高雅气质。在绘画创作中，必须严格遵循高水平的艺术规范，以确保作品呈现学术韵味，此为艺术创作的核心。中国画表面看似简洁，实则每一笔皆蕴含深思，皴法变化无穷。在干纸上描绘无形之物，同时营造湿润之感，对技艺是极大挑战。

画家须精通运用云、山、林、木等自然元素的技法，以增强作品的生动性与表现力。同时，画家还需全力以赴，坚定不移地沿袭正确的艺术方向，方能创作出气韵生动、充满学术静美之作品。

中国画追求宁静之美，画面须保持和谐与静谧，切忌杂乱无章。

在评价画作时，观者常言：“此画过于杂乱，令人目不暇接。”尽管这反映某种审美倾向，但艺术品的品质确有高下之分。表面的杂乱不能视为佳作，甚至可能被视为低劣。唯那些在宁静中透出学术气息的画作，方被认定为艺术上乘。

中国画严格承袭正统血脉，魏碑书法源于山西大同，在汉字书法史上占有不可或缺的地位，以其独特笔法引领风骚。魏碑不仅为汉字在二王之外开辟新径，更在书法长河中形成了与之并行的流派，其重要性不容忽视。康有为在《艺舟双楫》中指出，魏碑标志着中华书法的巅峰，甚至超越二王，隶书与楷书皆源出于魏碑，确立了其在书法中的正宗地位。本人所撰对联“隶楷导原由此变，魏碑千古有奇功”，正是对魏碑精神内涵的揭示。

另一联“翰墨长河千丈险，大同世界一灯明”，则阐述了书画艺术之路的艰难险阻，犹如长江惊涛。即便沿着正路循序前行，亦有人迷失方向，难以抵达艺术殿堂。我尤为青睐“大同”之名，因其象征着北魏时期的文化巅峰，令人敬仰。如今，我们正致力于复兴理想社会的终极境界——世界大同。“大千世界一灯明”寓意大同世界如明灯，指引艺术道路。守正脉，即于艺术长河中追寻正宗之源，尽管流派纷繁，只要把握正脉，便能沿正确路径走向艺术成功之途。

艺术创作须有独树一帜的个人风格，此乃确立个人艺术身份的关键。若无此，即便终身摹仿他人，亦难找到自身特色。王石谷、唐伯虎之所以名垂青史，正因其画风独一无二。艺术家的终极目标是找到真正的自我，但这并非易事。

明代画家陈洪绶（陈老莲）曾在杭州72贤祠闭关摹写72贤像，十日后，众人对其作品赞不绝口，认为与原作无异。然而三月后，他展示的新作却与原作大相径庭，令人困惑。陈洪绶直言：“此即吾所求。”其作品虽似摹仿，实已融入个人理解，方为艺术本质。

陈洪绶评唐代周昉人物画：“有实力而不张扬。”周昉技艺高超，却给人以平淡之感，此为难得之境。今人往往追求形似而忽视艺术内在价值。周昉之作表面平常，实则内涵深厚，展现出艺术的高境。宋人评岑子洲：“画技虽佳，然少生动之趣。”岑子洲悟后，以白纸覆土墙，从中窥见山水村落之意境，自此画作愈发鲜活。

艺术之路，非仅靠勤奋练习与临摹可达完美。书法需临帖，然不可一味模仿。熟练之后，当广涉他帖，开阔眼界。田蕴章先生曾言：“吾临欧阳询《九成宫醴泉铭》，虽未臻至境，然已逾常人。”田先生凭此独到之处，攀登至他人未及之高度，终成一代大家。

坚守正宗、保持传统、追求个人艺术法则，旨在艺术上取得成就。一旦在创作中打下坚实基础并保持传统纯粹，便须创造独特的艺术语言。若止步于无休止的模仿，只会陷入循环，难以突破。唯有停止模仿，方有望攀上艺术高峰。

姜维群先生提出的“取法正、守正脉、悟己法、得正果”四阶段书画学习理念，引人深思。艺术揭示民族的历史、哲学与审美，作为国画者，我们必须汲取中国绘画精华，以传统技法展现国画特色，而非草率援引西法。

画家生涯中的临摹，是为寻正宗、溯脉络的唯一途径。即便今日临摹宋四家、明四家等先贤之作，或被人指责为复古，然临摹的真正意义在于继承历代艺术思想精髓——即绘画的根本技法，而非追逐表面潮流。

学习先贤作品，首重形似，通过精细临摹其笔法与构图，方能深入理解古人的创作心态与历程，奠定坚实基础。再经由精神层面的领悟，逐渐塑造个人风格。正如八大山人师法董其昌，郑板桥取径石涛，黄宾虹汲取髡残精华，王原祁等人皆最终自成一家。

“外师造化，中得心源”乃艺术成就之必由之路。先贤将临摹与写生等量齐观，中国写生的核心在于“格物致知”，强调探究事物本质，而非西方之简单写实。正如王阳明通过“格物”以求“正果”，中国写生要求画家深入自然，通过观察与思考研究事物原理，吸收万物精华，提升书画内在修养。

多年绘画实践使我坚信，“取法正、守正脉、悟己法”是回归心灵本质的正途。唯有净化心灵，方能最终达至“知行合一”之境，取得艺术上的成就。（附图为王宝利山水画作品）

王宝利，字子久，1972年生于北京，祖籍山东聊城高唐县，现居天津市滨海新区。自幼得遇恩师曾昭国先生，黄玉金先生，后又遇良师姜维群先生。诸位先生以其独特的艺术见解与教学方法，使其系统掌握中国历代山水、书法、花鸟等流派的技法精髓，领悟中国绘画艺术背后的哲学与人文精神，开启了对中国传统文化思想、艺术理论与根本技法的深入探索，为其的艺术创作奠定了坚实基础。其将毕生秉持对艺术的敬畏与热爱，在继承传统绘画语言的基础上，结合现代审美特点，开拓符合当代审美的绘画作品，是其终身奋斗之目标。

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